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올림픽홀 소공연장 ‘뮤즈 라이브’ 개관 기념공연
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[지우지 않은 6년 동안의 일기]
밴드 허클베리 핀이 지난 2004년부터 2009년까지의 활동을 담은 라이브 앨범을 발표했다. 07년 가을 즈음 정규 4집이 나왔으니 3년이 지났다. 앨범은 CD와 DVD 한 장씩으로 구성되어 있다. 이는 라이브 공연의 재현이라는 측면에서 시청각 모두를 만족하게 하는 라이브 공연 원형의 제공이자 구성일 수 있겠다. 5집을 기다리는 팬들에게 정말 좋은 선물이다.
두 번이다. 정확히 두 번 특이했다. 홍대를 주 무대로 하는 밴드의 라이브를 담은 앨범이라는 전례를 찾아보기 어려운 기획이 일단 특이했고, 앨범을 플레이하면 처음부터 끝까지 묻어나오는 이 거친 질감이라니 ‘혹시 뭔가 편집을 빠트린 것은 아닐까?’라는 생각이 들게끔 하는 사운드 컨셉이 특이했다. 좀 더 날것에 가까운 거친 질감이야 기획 단계에서 잡힌 컨셉이니 그야 그렇지만, 첫 번째로 특이했던 ‘홍대를 주 무대로 하는 밴드의 라이브 앨범 제작’은 이 앨범의 존재 의미를 부여하는 그 어떤 것이기도 하다.
짧은 식견에 감히 짐작하건대 만약에 허클베리 핀이 그들만의 레이블을 가지고 있지 않았다면 이 ‘그야말로 특이한’ 라이브 앨범은 절대 나오지 못했으리라고 조금은 위험한 짐작을 해본다. 앞서 말한 ‘그들만의 레이블’이라는 것은 다시 말해 인디펜던트를 뜻함이고 그것은 곧 자본으로부터, 권력으로부터, 더 나아가 의식으로부터의 독립 또는 넓은 의미에서의 자유를 말함이다. 앨범이 수익을 불러올 것인가 하는 자본의 논리에서 벗어났음은 물론이고 앨범 레코딩 퀄리티는 매끈하고 잘 다듬어진 텍스쳐를 가지고 있어야 한다는, 또 그를 위해서 라이브 후의 후반 녹음 및 편집 작업도 당연한 것이라는 의식에서의 독립이 이 라이브 앨범 제작을 가능케 했다. 두 가지 인디의 자세에서 후자에 더 많은 비중을 두고 싶다. 참으로 작위적인 최근의 인디의 개념이 1세대 인디밴드라 불리는 그들로 말미암아 바로 세워졌다고 말하고 싶다.
최근 인디씬의 특징은 ‘무경계성’에 있다고 본다. 그것이 사운드건 피쳐링이건 뭐건 간에 이미 많은 부분이 우리가 흔하게 이분법적으로 생각하는 메이져와의 그것들과 별다를 것이 없게 되었다. 무경계성이라는 바탕 위에 이해와 수용이라는 소양을 갖춘 취향 공동체가 형성되고 그들만의 색깔을 이룬 숲이 형성되어 그 속에서 뿌리를 내려 많은 가지를 치고 있다고 생각한다. 이를 바탕으로 트랙 리스트를 다시 한 번 보면 참 재미있다. 허클베리 핀이라는 거목이 뿌리를 내리고 있고 그보다 좀 더 작은(음악적 성취를 말하고자 함이 아닌 선후배라는 것을 비유함이다. 오해 없으시길) 나무들이 서로 가지가 맞닿아 있는 그림이 그려진다. 이른바 ‘관계 맺음’이라는 소리다. 쉽게 보이지만 뮤지션에게 이는 참으로 어려운 부분이다. 이해와 수용 혹은 겸손과 절제라는 소양이 없는 뮤지션에게 이것은 불가능한 일이기 때문. 음악은 뮤지션에게 자식과 같은 것이다. 자신의 아이를 다른 부모에게 맡기는 것은 여간 힘든 일이 아닐 것이다. 깊은 신뢰가 없다면 생각조차 할 수 없는 일이다. 또한, 자의식의 과잉으로 똘똘 뭉친, 다시 말해 울타리를 친 숲에 뿌리를 내린 나무는 울타리 밖의 다른 나뭇가지와 닿을 수가 없다. 허클베리 핀은 울타리가 없는 숲에 뿌리를 내리는 데 성공했고 많은 작고 큰 나무와 포옹하고 더 위로 가지를 올리는 중이다. 피쳐링이 작성된 트랙 리스트는 이 ‘관계 맺음’을 증명하는 부분이다. 이러한 ‘관계 맺음’은 1990년대 중반부터 시작된 홍대 인디씬의 기록이자 기류이다. 지나친 의미 확대일 수도 있겠지만 이 앨범은 이러한 의미를 부여할 가치가 있다. 피쳐링을 한 여러 뮤지션, 이들은 단순하게 게스트의 개념이 아닌 다른 이의 곡을 연주함으로 인해 공감대가 형성되었고 공연장에 있는 관객들은 그들의 그러한 모습을 보고 또 다른 절정에 달했을 것이다. 이 절정의 흔적 또한 앨범에 그대로 묻어나온다. 과도한 듯 아닌 듯 무대 밖 사운드도 잘 담겨 있다. 생생한 현장감은 투박한 사운드 컨셉 속에서 더 잘 살아나는 듯하다. 투박함은 이들의 의도다.
허클베리 핀은 지나치게 해학적이지 않으며 최소한의 필요한 연주만을 날것에 가까운 로큰롤 사운드 속에 잘 스며들게 하는 밴드의 이미지가 강하다. 라이브 앨범 또한 지극히 그들답다. 어쩌면 스튜디오 앨범보다 더욱더 그들다워서 좋다. 잘못 연주된 부분이 있어도 후반 작업을 하지 않고 그대로 앨범에 담아내었기에 이 앨범은 마치 허클베리 핀의 일기와도 같다. 잘못 쓴 부분이 보이면 지우개로 지우지 않고 그대로 놔둔 일기. 그래서 더 두근거리는 수줍은 고백.
비단 뮤지션뿐만 아니라 인간은 관계 맺음의 동물이라 생각한다. 관계 속에서 의미는 지속되고 의미는 시간 속에서 역사를 이룬다. 여기, 또 하나의 의미가 기록되었고 역사의 한 페이지가 넘어갔다.
여담이지만 보컬 이소영은 독일 밴드 구아노 에입스의 보컬 산드라 나식을 연상케 한다. 산드라 나식과 이소영 모두 정규 앨범에서보다는 라이브에서 더욱더 ‘그녀다움’을 느낄 수 있다. 역시 허클베리 핀은 라이브다. 살아 있다.[지우지 않은 6년 동안의 일기] 밴드 허클베리 핀이 지난 2004년부터 2009년까지의 활동을 담은 라이브 앨범을 발표했다. 07년 가을 즈음 정규 4집이 나왔으니 3년이 지났다. 앨범은 CD와 DVD 한 장씩으로 구... -
씨엔블루. 인디의 시뮬라크르
씨엔블루. 밴드의 포맷을 갖춘 그룹이라니 무척 반가웠다. 일본 인디즈에서 실력을 갈고 닦은 밴드라는 보도 자료는 더욱 이색적이었다. 그들의 타이틀곡인 ‘외톨이야’가 표절시비에 휘말리면서 장기하와 얼굴들 이후 다시 한 번 인디라는 단어가 여기저기에 언급되고 있기에 개인적으로 앞으로 눈여겨봐야 할 필요가 있는 것 같다.
나에게 이들의 연주력이나 표절에 관해 언급할 자격은 없다. 그들의 라이브를 한 번도 본 적이 없고 대화를 나눈 적도 없다. 또한 화성을 장기적으로 꾸준하게 제대로 배운 적도 없기에 표절에 관해서도 깊게 썰을 풀지 않을 것이다. 아니, 못한다.
내가 걱정되는 것은 또 한 번의 마녀사냥이 행해지지는 않을까 하는 점이다. 표절에 관한 것과 이들이 인디 운운하며 인디를 마케팅 수단으로 가져가려 한다는 것, 라이브 시 핸드 싱크를 한다는 것 등에 대한 욕을 씨엔블루 당사자들에게 할 생각이라면 조금 절제토록 하자. 어떠한 특정 부분에 대해 비판을 할 생각이 있다면 그들의 기획사에 하는 것이 어떨까. 분명 씨엔블루는 기획사에 의해 살균 처리가 된 기획 상품이다. 그러므로 어디까지가 씨엔블루 당사자들의 모습인지는 아무도 모른다. 기획사가 앞으로 어떻게 움직일 것인가를 주의 깊게 살펴볼 필요가 있다.
논쟁거리가 되었단 몇 가지 사항에 대해 조금 짚어보자.
씨엔블루와 인디밴드. 인디란 인디펜던트의 약자로서 '특정 세력이나 자본 집단으로부터 독립하여 자신의 문화 양식을 펼침'을 뜻한다는 것은 이미 많은 이들이 익히 들어 잘 알고 있을 것이다. 우리가 흔히 인디라 부르는 인디 음악도 그것에 준한다. 하지만 최근에 ‘인디가 무엇이냐?’라는 질문에 답을 위와 같이 해주기엔 조금 찝찝한 것이 90년대의 모습과 2000년대의 인디가 보여주는 모습이 조금 다른 형태로 흘러가는 느낌이 있어서(어디까지나 개인적인 생각일 뿐이다) 인디를 논할 때 기정의 된 정의를 가지고 썰을 풀자니 약간은 불만족스러웠다. 인디를 정의할 때 많은 부분에서의 정의가 이루어지지만 최근의 한국의 상황에선 ‘Indie as ethos’만이 유효하다고 하고 싶다. 자신의 곡을 직접 쓰고 레코딩, 믹싱, 마스터링 등의 일련의 과정을 PM(Project Manager)이 되어 진두지휘 할 수 있는 그런 능력을 갖춘 혹은 시도를 하고 있고 노력하는 모습. 세부적으로 나간다면 레코딩 등의 기술적인 부분은 분화가 이루어지긴 했지만 사운드 디렉터의 역할이나 프로듀싱의 역할은 온전히 창작자가 갖추어야 할 덕목이자 자세이며 윤리이다. 그것이 인디라는 이름을 걸고 행해지는 모든 행위의 범주 안에 속해 있다면 말이다.
씨엔블루의 기획사는 그들을 마케팅 할 때 인디를 논하는 것을 자제해 주었으면 한다. 기획사의 유무가 인디의 여부를 가르는 것이 절대 아니다. 기획사가 어떠한 마인드를 가지고 소속 가수를 노출 시킬 것인가가 중요하다. 일본 인디즈에서의 활동은 아무래도 좋다. 그 배후에 어떠한 내부 사정과 액션 플랜을 가지고 있었는지는 잘 모르겠다. 걱정이 되는 것은 이대로라면 ‘인디’라는 단어는 지극히 허상이요, 환상에 머무를 수밖에 없는 이미지로 전락할 수도 있다는 점이다. 이들만의 잘못은 아니다. 언젠가 인디가 이렇게 작위적으로 세상에 내놓여질 것을 예상했음에도 불구하고 기만하고 있었던 관계자들에게도 문제는 있다. 우리 모두의 문제이다. 앞으로가 중요하다.
한 가지 기쁜 것은, 씨엔블루의 보도 자료에서 보았던 문구다.
‘천편일률 가요계의 새로운 대안’이라는 것과 ‘일본 인디즈에서 실력을 갈고 닦은’ 이 두 가지 문구가 무엇을 말해주고 있는가?
대중음악계가 천편일률적이라는 것을 알고는 있구나, 라는 것.
그 대안으로서 ‘밴드’라는 포맷이 제시되었다는 것.
그리고 그 속에 인디가 존재하고 있다는 것.
이 모든 것이 주류 기획사에서 나온 말이라는 것.소모적인 힘겨루기는 그만하고 이제 모두 함께 힘을 합쳐 바꾸어 봅시다.
씨엔블루. 인디의 시뮬라크르 씨엔블루. 밴드의 포맷을 갖춘 그룹이라니 무척 반가웠다. 일본 인디즈에서 실력을 갈고 닦은 밴드라는 보도 자료는 더욱 이색적이었다. 그들의 타이틀곡인 ‘외톨이야’가 표절... -
스왈로우는 허클베리핀의 리더 이기용의 솔로 프로젝트다. 정규 2집 [Aresco]가 2005년 11월에 나온 후, 한 달이 모자란 4년이 흐른 2009년 10월 3집 [IT]이 발표되었다.
이 앨범을 앞에 두고 무슨 말을 어떻게 시작해야 할까. 허클베리핀과 연관을 지어야 할까, 이기용 자신이 직접 만든 샤레이블을 통한 앨범이라는 것을 말해야 할까? 그러자니 그것들은 이미 인터넷상에 수도 없이 표류해 있는 텍스트일 것이고, 그렇다고 정규 2집의 2007년 제4회 한국대중음악상 ‘올해의 앨범’ 수상 이야기를 하자니 그것마저 이제는 진부한 이야기가 되어버린 느낌이다. 진정성 혹은 미학적인 판단을 하자니 취향의 문제와 연결되어 딜레마에 빠져버릴 것만 같은 생각에 몸서리가 쳐진다. 그렇다면 어디에 초점을 두고 이 앨범을 논해야 진부하지 않은 글이 될까라는 고민에 빠져버렸다.
앨범을 멍하니 바라보다 결국, 최근엔 개인적인 관심사가 인디의 개념 부분에 있으니 거기에 초점을 두고 썰을 풀어보기로 했다.
현 대중음악계에서 ‘인디’의 이름을 걸고 나오는 많은 음악은 정말 ‘인디’인가? 그 기준은 무엇인가. 90년대 중반 기정의 되어 있는 인디의 개념은 아직도 유효한 것인가? 최근 그 모습은 작위적인 느낌이 들지는 않는가? 이는 인디의 진정성이나 창작성 혹은 음악성에 대한 물음이 아니다. 단순히 ‘인디’라는 개념에 대해 다시 곱씹어보자는 이야기다. 다름 아닌 스왈로우의 [IT]을 통해.
물론, 지금 와서 인디에 대한 정의를 굳이 살펴봐야 하는가에 대한 의구심이 생기는 것은 어쩔 수 없지만, 한 번쯤은 곱씹어 봐도 썩 나쁘진 않을 것이라는 생각이 든다.
일단 결론부터 말하자면, 인디에 대한 여러 관점에서의 정의 중 현재 남아있는 것은 ‘태도로서의 인디’ 그 하나뿐이다. 영국의 인류학자 포나로우(W. Fornarow)에 의하면 인디에 대한 정의는 다음 다섯 가지로 나누어질 수 있다. ‘유통 관점에서의 인디’, ‘장르로서의 인디’, ‘태도로서의 인디’, ‘열등함으로서의 인디’, ‘미학적 판단의 기준으로서의 인디’가 그것이다. 익히 알려진 대로 지방 로컬씬의 부재와 협소한 시장규모는 산업적인 관점에서의 인디 즉, 유통 부분에서의 인디가 온전히 성립될 수 없게 만드는 요인이다. (이는 넓은 땅과 시장을 가진 영, 미, 일과 우리나라가 가지는 가장 큰 차이점이다.) [IT]도 엠넷미디어라는 대기업 CJ계열의 회사를 통해 유통되고 있지 않는가. 이는 국내 인디음악이 살아남기 위한 전략 중 하나였다. 인디라는 개념의 출발점이 산업 경제적 부분에 있었다지만 그것은 지속되기 힘들었고, 현실을 받아들여 나름의 생존 전략을 마련했다는 것이다.
장르로서의 인디가 가지는 특성은 ‘단순함과 간소함’이다. (“simplicity and austerity”) 그리고 그 중심엔 기타가 자리를 잡고 있다고 한다. (“fetishization of the guitar”) 현재 우리나라 인디씬에선 워낙 다양한 스타일의 음악이 생산되고 있는 중이라 이는 보류해야 할 사항이지만 적어도 스왈로우의 1집, 2집에 대해서는 이 개념이 비교적 잘 들어맞는 사항이라고 하고 싶다. 그러한 모습이 비교적 흐려지긴 했지만, [IT]에서도 그 중심에는 여전히 기타가 굳게 자리를 잡고 있다. 스왈로우의 태생은 분명히 인디였고, 장르로서의 인디음악이 가지는 특성에 대해서는 비록 영국이라는 해외의 인류학자에 의해 주장된 것이지만 스왈로우의 음악에는 어느 정도 적용될 수 있는 개념이라 생각한다. 물론 인디씬 전체를 두고 본다면 이 개념은 맞지 않는 부분이 상당수이지만.
다음, 열등한 음악으로서의 인디. 이는 음악 자체의 질과 레코딩 상태라는 두 가지 경우로 나누어 볼 수 있겠다. 전자의 경우는 판단에 대한 기준이 각자 다르므로 보류해 두겠다. 이는 어디까지나 취향의 문제라 생각한다. 더욱이, 대중음악이란 대중과 어떻게 작용하느냐에 따라 혹은 동시대성을 담고 있느냐에 따라 그 가치를 따질 수 있다고 생각하는데 [IT]에 대해서는 좀 더 시간을 두고 지켜봐야 알 수 있는 일이다. 그렇다고 레코딩 상태에 대해 논하자니 너무나 기술적인 부분이 될 것 같아 세부적으로 들어가기엔 꺼려지지만, 굳이 말하자면 전작들에 비해 더 풍성해진 공간감과, 윤곽이 뚜렷하고 따뜻한 음색 등 앨범 컨셉에 잘 들어맞는 사운드가 적절하게 구현된 느낌이다. ‘열등한 음악으로서의 인디’라. 다시 생각해보니 이는 지극히 엘리트주의적인 관점이다. 그래서 별 의미가 없어 보인다.
주지하였지만, 중요한 것은 그 음악이 동시대성을 확보했는가에 있다. [IT]이 어느 정도의 대중의 호응을 이끌어 낼 수 있는가는 바로 이 ‘동시대성’에 따른 문제라 생각된다. 장기하와 얼굴들도 마찬가지 현상이었다고 생각한다. 만약 한국의 경제적 상황이 매우 좋은 상태에서 그들이 등장했다면 지금(그 정도는 어느 정도 약해졌지만)처럼 큰 인기를 얻을 수 있었을까? 음악의 대중성 확보는 그 음악이 동시대성을 가지고 있는가, 혹은 아닌가에 따라 크게 좌우될 수 있다. 존 스토리는 대중성을 ‘대중의 필요에 따라 그들 스스로 만든 성질’이라 하고 있는데 장기하와 얼굴들의 성공이 그러했다. 장기하 그는 절대 의도하지 않았다고 하지만, 많은 지면과 매체를 통해 언급되는 ‘루저문화’를 비롯한 각종 ‘현상’들은 대중들이 스스로 만들어낸 개념이고, 그것은 대중이 요구하는 감성을 자극하여 동시대성을 얻을 수 있었던 것이다.
스왈로우 또한 마찬가지이다. 중요한 것은 음악 관계자들의 평이 아닌 대중들의 해석이고 반응이다. 이 앨범은 대중들 속에서 어떻게 작용할 것이며, 어떤 식으로 소통될 것인가에 대한 말을 하는 것이다. 사실, 열등함으로서의 인디나 미적 판단 기준으로서의 인디라는 것보다 중요한 것은 바로 그 음악이 대중 속에서 어떻게 소통되고 있는가 하는 점 아닐까.
마지막으로 가장 중요한 ‘태도로서의 인디’. 이는 인디씬이 태동한 90년대 중반부터 현재에 이르기까지 변하지 않고, 또 가장 중요한 인디의 개념이 아닐까. 그 중심에 D.I.Y(Do It Yourself)가 있다는 것에 대해 말하는 것은 지면을 낭비할 뿐이다. 인디에 대한 위의 여러 가지 기준은 다양한 환경적 상황 변화 속에서 쓸모가 없어질 수도 있다. 하지만 이 ‘태도로서의 인디’는 인디라는 방식이 존재하는 한 그림자처럼 붙어 다닐 꼬리표가 아닐까 싶다. 콘텐츠에 대한 기획, 녹음, 믹싱, 마스터링, 앨범 커버 디자인과 유통 단계에 이르기까지 창작자가 그 기준을 잡고 모든 것을 수행하는, 하나의 프로젝트 개념으로 보자면 PM(Project Manager)이 되어 모든 것을 스스로의 힘으로 처리하는 것. 이것이야말로 인디의 참모습이 아닐까 싶다.
오래된 담론을 다시 꺼내는 것 같지만, 현 대중음악계에서의 인디는 비교적 작위적인 느낌이 드는지라 억지로라도 이야기를 꺼내어 봤다. 인디의 모습을 진실하게 담은 스왈로우의 [IT]은 음악적 성취를 차치하더라도, 인디의 모습을 다시 한 번 보여주었기에 그 하나만으로도 고마운 앨범이 아닐 수 없다.
듣기에 딱 좋은 양. 9곡이 수록되어 있으며, 기타가 중심이 되는 밴드 사운드를 기본 포맷으로 하는 점은 1집과 2집에 이어 변하지 않는 부분이다. 물론 전작들에 비해 키보드의 비중이 커진 것은 사실이지만 그 중심엔 역시 기타가 굳건하게 자리를 지키고 있다. 전작들에 비해 듣기 더 편해진 느낌이 드는데 이는 대중의 취향에 대한 고민을 한 흔적일 수도 있겠다. 건반의 멜로디와 치고 빠지는 베이스 리듬이 기타 리듬 속에 녹아든 첫 곡 ‘Show’. 서정적인 현악기 울림이 인상적인 타이틀 곡 ‘두 사람’ 등 스왈로우 특유의 감성은 전작에 이어 유지되고 있으며 이번 3집 [IT]에서는 루네의 코러스를 곳곳에서 들을 수 있어 신선한 느낌이 든다. 무엇보다 이색적인 트랙은 바로 ‘자이언트’인데, 스왈로우의 감성에 익숙해져 버린 청취자라면 비교적 밝게 채색된 이 곡의 이색적이고 낯선 느낌에 반가울 수도 혹은, 약간 불편할 수도 있겠다. 이는 어디까지나 창작자의 새로운 시도라 할 수 있겠다.
다시 한 번 말하지만, 이 앨범으로 새로운 음악적 발견이나 미학적 판단 혹은 콘텐츠의 질을 논한다는 것은 성급한 감이 있다. 하지만 현 대중음악계에서 비교적 작위적인 모습이 되어버린 듯한 인디의 개념을 다시 한 번 곱씹게 해주었다는 것만으로도 참 고마운 앨범이다.
끝으로, 진부하지 않고자 했는데 결국엔 진부한 이야기가 된 것 같아 고마운 앨범에게 조금은 미안한 느낌이 든다.스왈로우는 허클베리핀의 리더 이기용의 솔로 프로젝트다. 정규 2집 [Aresco]가 2005년 11월에 나온 후, 한 달이 모자란 4년이 흐른 2009년 10월 3집 [IT]이 발표되었다.이 앨범을 앞에 두고 무슨 말을 어떻게 시... -
당신은 뮤즈를 가지고 계신가요?
음악을 하는 사람이건, 글을 쓰는 사람이건, 그림을 그리는 사람이건, 음식을 만드는 사람이건 그 어떤 형태로든 뭔가를 창작하는 사람에게는 ‘뮤즈’라는 존재가 있습니다. 존 레논에게는 오노 요코가 그러했죠. 뭔가를 낳는다는 행위에 대한 절대적인 존재. 혹은 목표. 동기. 혹자는 피난처라는 말과 동의어로 쓰기도. 누군가는 창작물의 진정성 여부를 따질 때, 이 뮤즈의 존재 여부를 면밀히 살피곤 합니다. 뮤즈가 없다는 것에 대해 혹은 없어졌다는 것에 대해 누군가는 약에 손을 대기도 하고 누군가는 심적인 고통을 못 이겨 결국 죽음에 이르기까지 하더군요. 뮤즈라는 존재는 메말라 붙어버린 가슴에 창작의 자양분을 마련해주기 마련인데 대부분의 창작자들은 그것의 부재를 견디기 힘들어 하는 것 같습니다. 방황이나 매너리즘은 거기에서 비롯되곤 했죠. 그러다 뮤즈의 존재가 서서히 살아나고 있음을 느낄 때면 그 동안 억눌려왔던 모든 감정이 한 번에 폭발하곤 합니다. 가장 조심해야 할 때는 바로 이때입니다. 뮤즈는 민감해서 상대방의 폭발하는 감정을 수용하는 것에 대해 상당히 인색하거든요. 뭐든지 스텝 바이 스텝입니다. 서두르지 마세요. 뮤즈에 대한 사랑을 서두르지 마세요. 절대.
뮤즈는 사람이 될 수도. 사람이 아닌 무엇인가가 될 수도 있습니다. 음악을 예로 들어보죠. 역사적으로 대중이 선호하는 음악은 대부분 그들의 공감대를 살 수 있었던 음악이 많았습니다. 사랑 타령에 대한 노래가 가장 많은 사랑을 받아왔죠. 그 이유는 무엇일까요. 사람마다 뮤즈의 대상은 다르지만 결국엔 하나로 귀결되었다는 것입니다. 그래서 ‘뮤즈는 곧 사랑이다’라는 말은 옳다고 봅니다. 그렇다면 그의 대우명제인 '사랑이 아닌 것은 뮤즈가 아니다.'라는 말은 성립될 수 있을까라는 질문에는 이렇게 답할 수 있겠군요.
너무 논리적으로 따지지 맙시다.
이렇게 얼버무리겠습니다.
떠나버린 뮤즈에 대해 미련을 갖거나 힘들어 하지 맙시다. 물론 가장 좋은 것은 떠나버린 뮤즈를 기다리고 다시 돌아오기를 기다리는 것이지만, 그것이 만약 이 세상에 존재하지 않는 것이 되어버렸다면 그들을 담담하게 보내주는 것이 미덕입니다. 그들은 우리들의 부모님이 될 수도 있겠군요. 혹은 먼저 떠나버린 자녀가 될 수도. 애완동물이 될 수도. 아끼던 물건이 될 수도. 없어진 감정이 될 수도. 헤어진 연인이 될 수도.
제가 하고 싶은 말은 -물론 억견일 수도 있습니다만- 뮤즈가 없는 창작물은 결국 대부분이 거짓을 말하고 있는 결과물 이라는 것입니다. 일방적으로 ‘당신은 우리가 주는 이것을 뮤즈로 삼고 그것의 노예가 되어야만해! 그래서 당신은 그 뮤즈에 대해 충성을 다해야해!’ 라는 제도권의 ‘일부’ 존재들에게 속지는 맙시다. 진심을 알아차릴 수 있는, 뮤즈를 제대로 볼 수 있고 받아들일 수 있고 가질 수 있는 눈과 귀와 가슴을 가지도록 합시다. 성숙해지자는 이야기죠. 글을 쓰는 분이건 악기를 연주하는 분이건 아니, 숨을 쉬며 살아가는 것에 의미를 두신 분이시면 뮤즈 하나 정도는 가슴에 품고 살아가도 되지 않을까 싶습니다.
당신은 뮤즈를 가지고 계십니까. 아니, 달리 여쭈어보겠습니다.
지금 누군가를 사랑하고 있나요?당신은 뮤즈를 가지고 계신가요? 음악을 하는 사람이건, 글을 쓰는 사람이건, 그림을 그리는 사람이건, 음식을 만드는 사람이건 그 어떤 형태로든 뭔가를 창작하는 사람에게는 ‘뮤즈’라는 존재가 있습니다.... -
창작성과 대중성의 접점을 찾은 한국 대중음악의 희망
해피로봇레코드 소속의 노리플라이는 보컬과 건반을 담당하는 권순관과 기타와 프로그래밍을 맡고 있는 정욱재로 구성된 듀오다. 2008년 3월 싱글앨범 <고백하는 날>을 발표한 후 1년 3개월이 지나고 정규 1집 <Road>를 발표한 것은 불과 얼마 전 일이지만 이들은 몇몇의 컴필레이션 앨범 참여와 다수의 공연활동을 통해, 1집을 발표하기 전부터 이미 음악팬들의 지지를 얻고 있었다. 루시드폴 혹은 유희열의 음악을 듣는 듯 섬세하고 여린 소녀의 앳된 감수성이 주를 이루며 피아노를 중심으로 한 모던록 사운드를 들려준다. ‘뒤돌아 보다’를 통해 2006년 제 17회 유재하 음악경연대회 은상을 수상, MBC의 한 버라이어티에 ‘고백하는 날’이 삽입되기도 하였으며 ‘조금씩, 천천히, 너에게’가 <남과 여... 그리고 이야기>의 타이틀곡으로 선정되기도 하였다.
침체된 한국 대중음악시장에 아주 약간의 희망이 보이고 있다. 현재 대중음악 시장에 있어서 가장 필요한 것은 뮤지션이 활동을 할 수 있는 인프라 구축 부분과 소장할 만한 양질의 음악 콘텐츠의 생산 부분인데 이 중에 좀 더 근본적인 것은 후자다. 때문에, 인디씬을 중심으로 해서 우수한 창작성이 돋보이는 질적으로 뛰어난 음악이 계속해서 생산되고 있다는 것은 매우 고무적인 일이다. 물론 이것은 다행히도 메이저 시장에서도 볼 수 있는 추세다. (대중음악 시장을 메이저와 인디로 보는 이분법을 딱히 좋아하는 것은 아니지만 편의상 이렇게 작성했다. 그리고 아래에서 나올 창작성 내지는 실험성과 대중성을 나누는 것 또한 모순되는 부분이 있지만 이 역시 일단은 편의상 나누어 작성하겠다.) 침체된 음악 시장을 다시 활성화시키기 위해 풀어야 할 과제가 많지만 가장 근본적인 문제인 ‘콘텐츠의 질’ 다시 말해, ‘창작이 주가 되는 콘텐츠의 생산’이 가장 중요하다고 하고 싶다. 하지만 이 창작의 정도가 너무 과해 그것은 ‘실험성’만이 높은 점수를 받을 수 있었고 ‘대중성’은 낮은 점수를 받기 십상이었다. 사실 음악에서 대중성이라면 뭐니 뭐니 해도 ‘귀에 쉽게 잘 들리는 것’을 미덕으로 함이 옳을 것이다.(음악에 있어서의 대중성이라는 개념은 특정 뮤지션이나 노래에 대한 대중들의 ‘인지도’를 말함이 아니다.) 대부분이 ‘그들만의 리그’에서 머문다거나, 소위 아방가르드 했던 또는 듣기 불편해서 쉽사리 접근하기 힘들었던 뮤지션의(특히나 인디씬에서의) 음악은 언젠가부터 대중성을 보여주기 시작하였다. 좀 더 쉽게 잘 들리기 시작하였다는 말이다. 가깝게는 짙은, 에피톤 프로젝트 등이 그러했다. 창작성과(좀 더 나아가면 진정성) 대중성의 교집합을 드디어 찾아낸 것이다. 인디씬이 태동된 것을 90년대 중후반으로 본다면 10년하고 좀 더 지난 이제야 그 접점을 발견했다는 말이다. 지금은 참 소중한 시기임에 틀림없다.
노리플라이의 음악 역시 창작성과 대중성, 그 사이의 접점을 잘 찾아낸, 오랜 시간의 연구를 통해 나온 결과물이라고 말하고 싶다. 앞서 말하길, 대중성의 핵심은 ‘귀에 잘 들리는 것’이라 했는데 그것은 현재 유행하는 후크송과 분명히 구분되어야 한다. 노리플라이의 음악은 귀에 잘 들리는 멜로디를 가지고 있지만 후크송의 코어인 ‘반복구절’은 발견하기 힘들다. 그럼에도 불구하고 이들의 음악이 귀에 잘 들리는 것은 이들만의 세련된 작법에 연유하고 있을 터. 기복이 뚜렷한 멜로디 라인을 만들 줄 아는 것은 이들이 지닌 가장 큰 힘이며 바로 그것이 귀에 잘 들리는 음악을 만들 수 있었던 가장 중요한 요소가 아니었나 싶다.
이들은 또한 전통적인 록(Classic Rock 또는 Roots Rock)의 명제였던 ‘록의 중심악기는 기타’라는 것에서 한 발짝 멀리 떨어져있다. 노리플라이 음악의 중심엔 피아노가 굳게 박혀있다. 물론 피아노가 중심이 된 록 사운드의 전례가 없는 것은 아니다. 과거 오메가3의 음악 또한 그 중심에는 피아노가 있었지만 그것은 실험성에 더 큰 비중이 있었다. 그때 태동한 이러한 피아노 록 사운드가 이제는 대중성을 보완하여 본격적으로 발화되기 시작한 것이다. 이와 같이 대중성을 내세운 피아노가 중심이 된 록 사운드는 앞으로도 지속될 것이라 예상한다.
물론 모던록의 영역에서 볼 때 주류는 델리스파이스와 언니네이발관을 필두로 한 기타팝(Guitar Pop)밴드임에는 틀림이 없었다. 하지만, 에피톤 프로젝트를 작은 시작으로 하여 노리플라이를 본격적인 구도자의 위치에 올려놓아, ‘모던록의 주류는 이제 기타가 아닌 피아노를 중심으로 한 록 사운드다.’라고 한다면 이것은 억견일까? 현재 음악공연이나 앨범이 ‘여성성’을 마케팅으로 빈번하게 사용하고 있다는 점을 참고로 한다면 기타보다는 피아노가 그 특유의 감수성에 적합하다고 말하고 싶다.
주지했다시피, 피아노를 중심으로 한 록 사운드가 앨범의 대부분을 이루고 있으며, 몇몇 곡에서 들을 수 있는 리얼 스트링은 앨범을 좀 더 풍성하게 해주는 요소다. 앨범의 부제답게 ‘길’을 소재로 하고 있으며, 그것은 사전적 의미에서 그치는 것이 아니라 여러 가지 다양한 의미로 쓰이고 있다. 피아노 연주로 시작하여 순차적으로 드럼과 기타가 합세하여 비교적 빠르게 후렴구까지 이어지는 첫 곡 ‘끝나지 않는 노래’는 군더더기 없는 곡 구성이 매력적이다. 이들의 싱글 앨범에도 수록되었던 ‘시야’는 편곡을 거쳐서 재수록 되었다. 영화 ‘오펄 드림’에 삽입된 본 앨범의 타이틀 곡 ‘그대 걷던 길’은 지난 해 12월 ‘이하나의 페퍼민트’에서도 선보인 적이 있는 곡이다. 곡 자체에 큰 기복은 없지만 앨범 전체의 감성적인 컨셉을 대표하기엔 무리가 없어 보이며, 전반에 걸친 스트링 연주는 앞으로 튀어나오지는 않는 대신에 얇고 은근하여 절제미를 느낄 수 있다. 그 밖에도 후렴구의 절정이 돋보이는 ‘World’, 새로운 녹음 작업을 거쳐 수록된 ‘뒤돌아 보다’. 곡의 시작과 끝 부분의 지하철 소리 샘플이 흥미로운 ‘Fantasy Train’은 곡의 텍스쳐와는 다르게 몽롱한 느낌이 든다. 저음의 첼로 선율이 인상적인 ‘흐릿해져’, 보사노바 풍의 ‘오래전 그 멜로디’에는 오지은이 보컬에 참여했다고. ‘Violet Suit’는 기타를 맡고 있는 정욱재의 취향이 다소 진하게 묻어 나오는 곡이다. 앨범의 부제와 같은 제목을 가지고 있는 ‘Road’는 힘 있는 후렴구가 인상적이며, 다소 차분한 느낌과 구성미를 느낄 수 있는 세련된 스트링 편곡의 ‘바람은 어둡고’를 끝으로 앨범은 마무리 된다.
이제 막 1집을 낸 이들에게 많은 것을 기대하는 것은 무리겠지만 젊은 뮤지션 둘이 모여 이러한 ‘작품으로서의 앨범’을 제시하였다는 것과, 단지 거기에서 머무르는 것이 아니라 대중성을 찾아내었다는 것 그 자체에 큰 점수를 주고 싶다. 듀오라는 장점을 살려 매너리즘에 빠지는 것을 멀리하되 각자 개인의 내공을 더 쌓으며 정진한다면 유희열이나 전람회처럼 자신들의 음악뿐만이 아닌 여러 후배들에게 ‘길’을 제시해줄 수 있는 그런 멋진 선배가 될 수 있을 것이 분명하다. 동시에, 대중음악씬에 좋은 방향으로의 변화를 줄 수 있는 움직임의 핵이 될 수 있을 것이라는 조심스러운 기대를 해본다. 노리플라이는 한국대중음악의 ‘젊은’ 희망이다.창작성과 대중성의 접점을 찾은 한국 대중음악의 희망 해피로봇레코드 소속의 노리플라이는 보컬과 건반을 담당하는 권순관과 기타와 프로그래밍을 맡고 있는 정욱재로 구성된 듀오다. 2008년 3월 싱글앨범 <... -
Post, Alternative, 혹은 그의 Simulacre
작년 2월 정규 1집 앨범 [Pax]를 발표한 밴드 로로스가 총 3곡이 수록되어 있는 EP앨범 [Dream(s)]를 발표했다. 그들은 얼마 전 제6회 한국대중음악상 시상식에서 ‘올해의 신인상’을 수상하였다. 로로스가 작년 한 해 한국 대중음악계의 가장 큰 ‘수확물’이라는 언급은 더 해봤자 입과 손가락만 아플 것 같다. 이번 EP앨범에서 로로스 특유의 몽롱함과 절정에 달할수록 휘몰아치는 그들의 공식은 그대로 계승되고 있으며 좀 더 서정성 짙은 음색의 건반과 스트링, 곡을 풀어나가는 문장 구성력은 진화한 부분이라고 봐도 될 듯하다.
로로스의 음악을 장르적 용어로 설명할 때에는 ‘포스트 록’(Post Rock)이 가장 잘 어울린다. 포스트라는 용어는 어떤 현상의 흐름에 있어서 기존의 것을 계승하거나 버릴 것은 버리고 진화시킨다는 의미를 가지고 있으므로 포스트 록이라는 용어자체에 그 특유의 장르적 특성이 묻어나오는 것은 아니다. 기본적으로 ‘개방적’인 자세를 취하고 있는 포스트 록은 록음악을 기반으로 하되 그 외의 다른 음악 장르에서 음악적인 여러 가지 요소를 버무려 새로운 스타일의 음악을 들려주는 그 ‘실험성’에 가장 큰 특징이 있다고 할 수 있다.
억지스러운 썰을 더 풀어보자. 새로움을 제안한다는 의미가 포함되어 있는 ‘Post’는 ‘Alternative’(협의가 아닌 광의적인 ‘대안’의 의미)와 교집합을 이루는 부분이 있다. 얼터너티브라고 했을 때 일반적으로 떠올리는 것이 런던 뒷골목의 Punk나 시애틀의 Grunge정도가 될 수 있는데, 펑크는 ‘대안 없는 저항’이었고 그런지는 런던에서 발화한 펑크의 포스트 역할로서 ‘저항이 있는 대안’을 보여주었다. 그에 비해 로로스의 음악은 ‘저항이 없는 대안’이라고 하고 싶다. 그들의 앨범을 듣거나 라이브를 보면 소위 말하는 ‘보수적’인 집단에 대한 혹은, 사회적인 이데올로기 면에서의 반항 혹은 저항은 느끼기 힘들다. 그들의 음악은 저항이 없는 순수한 음악적 대안(포스트)에 대한 제안서를 내밀었다고 말하고 싶다. 물론 로로스 그들이 기존의 음악적 혹은 시스템적 양식에 대한 저항 의식을 가지고 음악활동에 임하고 있는 것인지 아닌지는 모르겠지만..
저항이 있는 얼터너티브(음악적 영역에서의 혹은 협의로서의)가 ‘원본’이라고 하고 거기서 파생된 ‘복제물’의 성격을 보인 여러 가지 음악적 장르들을 ‘이미지’(Image)라고 하자. 그리고 로로스의 음악은 이미지의 복제물, 다시 말해 원본의 핵심이었던 ‘저항’이 빠져버린 시뮬라끄르라고 말하고 싶다. ‘저항 빠진 대안’이라. 내파되어 버린 얼터너티브 씬의 또 다른 형식일 수도. 억지일 수도. 저항 없는 대안이라는 점에 부정적이다 라는 식의 말을 하는 것이 아니다. 로로스 그들은 ‘무엇’에 대한 대안을 찾는 과정에서 그들의 유니크를 확립하고자 했을 것 이라는 말을 하고자 함이다. ‘무엇’이라는 대상이 우리가 알고 있는 그 대상인지 혹은 다른 것인지, 그에 대해 저항하고 있는지 혹은 다른 태도를 보이고 있는지 모르겠지만 확실한 것은 ‘음악적 대안’을 보여주고 있다는 부분에 대해서는 ‘그렇다’라고 확신할 수 있다.
음악적인 대안이라. 그들이 이야기를 풀어내는 방법론에 있어서 기존의 고정관념을 가볍게 ‘무시’해 버린 부분에 대한 이야기를 하자면 첫째는 플레이 타임이요, 둘째는 곡 구성이다. 그들은 길게, 천천히 이야기 한다. 6하 원칙이라는 형식적인 울타리 안에서 숨 가쁘게 ‘고백’해야 하는 것이 아닌, 처음에는 고개를 들지 못하고 수줍고 조용하게 그리고 천천히 말문을 열기 시작해 보이지 않는 존재와 주거니 받거니 하는 중에 어느새 절정에 다다른다. 그들의 고백을 다 듣고 나면 최소한 5분이다. 이게 정규 1집이었다면 [Dream(s)]에서는 그 ‘고백’의 길이가 한 트랙당 적어도 10분을 넘나든다.(청자에 따라서는 곡이 길다는 부분 그 자체로 불편함을 느낄 수도 있겠다) 곡의 길이가 길어지니 그 구성이 복잡해지는 것은 어느 정도 이해가 된다. 곡의 길이가 길어짐에 따른 중구난방의 구성이 된다면 그것만큼 졸작이 없겠지만 탄탄한 연주력과 팀워크에서 나오는 이들의 구성력은 탁월하다.
노래보다는 연주 그 자체에 포커스가 더 맞추어진 이번 EP에서는 왜곡된 기타의 퍼즈 사운드와 드로닝, 깊은 현악기의 울림, 절정으로 다가갈수록 몰아치는 심벌과 와우 페달이 걸린 상태에서 휘갈기는 기타 등 그들의 음악을 이루고 있는 모든 문법적 요소들은 그대로 계승되었지만 전작에 비해 그 정도가 더 심해졌고 특히 곡 전반의 흐름을 리드하는 듯한 드럼의 완급조절은 여전히 발군이다. 트랙 3개를 나누어 놓았지만 귀를 기울여 들어보면 1번 트랙부터 3번 트랙까지 끊어지지 않고 이어지고 있다는 점도 알아두면 좋을 것이다.
음산한 분위기 안에서 딜레이 걸린 기타, 적당한 공간감이 느껴지는 드럼으로 시작되는 첫 번째 꿈. 서서히 고조되다 한 방 한 방 몰아치는 구성은 1집의 그것과 비슷하다. 12분이 넘는 대곡으로서 기타의 노이즈를 뒤로 한 채 마무리 된다. 그 노이즈를 그대로 받아서 시작되는 두 번째 꿈은 ‘악몽’의 느낌을 준다. 비교적 플레이 타임이 짧은(그래도 7분을 넘기지만) 두 번째 트랙은 노이즈를 뒤로하고 분산된 화음의 건반으로 시작하여 입자감이 강한 드라이브의 기타가 뒤따르고 질주하는 탐탐의 난타가 청자로 하여금 그야말로 내면의 침잠(沈潛)을 겪을 수 있게끔 해줄 것이다. ‘My Bloody Valentine’류의 슈게이징의 냄새가 가장 짙은 세 번째 꿈에서는 끊이지 않는 기타 노이즈가 인상적이다.
그들의 음악에 대해서 어떻게든 장르적 정의를 해야 할 터인데 참 애매하다. 포스트 슈게이징 정도로 해두고 싶은데 간혹 들리는 이질적 냄새라니, 나누어진 갈래나 틀에 근거해서 경계선을 긋고 싶어도 그러할 수가 없다. 단지, 개방적인 상태에서 실험이 계속 진행되고 있는 ‘현재진행형의 포스트 록’ 정도로 해둘 뿐이다.
이번 EP에서는 로로스가 음악적으로 어떻게 다가오고 있는가 하는 호기심을 가지는 것도 좋겠지만 이들이 말하는 ‘Dream’의 시니피에가 과연 무엇일까 하는 의문을 가지고 그 부분에 대해 접근해가는 것도 썩 괜찮을 듯싶다. 이번 앨범은 음악도 되고, 소설도 되고, 영화도 되고, 각자의 꿈도 되기 때문에.Post, Alternative, 혹은 그의 Simulacre 작년 2월 정규 1집 앨범 [Pax]를 발표한 밴드 로로스가 총 3곡이 수록되어 있는 EP앨범 [Dream(s)]를 발표했다. 그들은 얼마 전 제6회 한국대중음악상 시상식에서 ‘올... -
여전히 유효한 90년대 뮤지션
작년 7월 말 [Seotaiji 8th Atomos Part Moai]의 발표 후 3월 10일 그의 두 번째 싱글 앨범 [Seotaiji 8th Atomos Part Secret]가 발매되었다. 물론 중간에 BERMUDA [Triangle]이 디지털 음원 형태로 발표되긴 했지만 음반 형태로는 이번이 두 번째다.
고백하건데, 그와 그의 음악을 말할 때는 무척이나 조심스러워진다. 그는 항상 평단이나 대중의 짐작에 불을 붙이고(점화 - ‘Priming’) 불이 막 타오르기 시작할 때는 저만치 물러서서 또 다른 곳을 향하고 있기에 과거나 현재의 문화 수준으로 그를 논한다는 것은 2010년을 바라보고 있는 현시점에서 오히려 20년을 후퇴해서 90년대로 돌아갈지도 모른다는 염려 때문이다.
서태지와 아이들 시절부터 그를 말할 때는 항상 그의 음악적인 부분보다는 그에게서 시작된 사회적인 이슈나 청년문화 혹은 하위, 비주류, 대안 문화에서의 담론이 많은 부분을 차지했는데, 데뷔 17년이 지나버린 지금에서야 ‘순수한 그의 음악’을 두고 말할 수 있을 것 같다.
과거 그가 들려주었던 힙합, 스래쉬 메틀, 얼터너티브 록, 하드 코어, 멜로 코어 등 모두 해외에선 이미 있는 음악이었고 서태지는 단지 그러한 낯선 비주류 음악들을 대중에게 좀 더 영향력 있는 위치에서 들려주는 이였다. 사실 과거에 서태지가 행했던 음악은 홍대 부근의 인디씬(Scene)에선 이미 익숙했던 음악이었고 그것은 ‘울트라맨이야’, ‘Issue’때도 마찬가지였다. 몰론 음악적인 세부적인 사항에 있어서는 그만의 색깔이 들어간 것은 분명하지만 스타일적인 큰 맥락 부분에서 보자면 -조금 냉정하게 말한다면- 그의 음악은 ‘답습’이었다. 그가 이루어낸 사전심의제도 폐지나 여러 가지 사회적 혹은 문화적 퍼포먼스를 제하고 그의 음악만을 논할 때는 안타깝게도 답습에 지나지 않았다.
그는 확실히 무엇인가를 잘 숨기고 그것이 무엇인지 잘 알려 주는듯 하면서도 잘 내어주질 않는다. 문화생산자인 그가 무엇을 흘리면 문화비평가 혹은 문화주변인은 그것을 뒤늦게 알아차리고 급하게 얻어먹기에 바쁘다. 문화 전반의 주도권은 대중을 위한, 수용자를 위한 문화 생산자 혹은 창작자가 그 주도권을 가지고 있어야 한다. 문화비평가나 문화주변인은 생산자, 창작자의 산출물을 대중에게 좀 더 쉽게 풀이해주고 소개해주는 ‘수단’의 역할이 되어야 할 뿐이지 ‘목적’이 되어서는 곤란하다. 창작자를 두고 비평가가 함부로 말하는 문화가 형성되는 것이 참으로 보기 불편해서 하는 말이고 서태지를 두고 그러한 현상이 두드러지는 것 같아서 하는 말이다. 주지했던 ‘그와 그의 음악을 두고 말할 때는 조심스럽다’에 대한 또 다른 변명이다.
저작권 문제나 방송 편집권 논란 등 아직까지 음악 외적인부분에서 그로 인해 이슈가 생기는 것은 그대로지만 그 정도를 놓고 볼 때 Atomos Part Moai 발표 후 부터는 비로소 이제야 그가 정말 그의 음악을 위해 집중을 하는구나 싶다.
물론 IDM이나 토이트로닉 등의 개념도 음악 애호가들에게는 그리 낯선 용어가 아닐 것이다. 중요한 점은 비교적 어려운 그러한 음악적인 개념들을 대중적인 멜로디 속에 녹아들게 했고 그것이 적중했다는 것. 그가 말한 새로운 장르 용어인 ‘네이쳐 파운드’(Nature Pound)를 두고 음악 애호가들이나 관계자들끼리 많은 말들이 있지만 따지고 보면 우리가 현재 많이 사용하고 있는 ‘트립합’이나 ‘슈게이징’이라는 장르 용어도 그 용어가 없는 상태에서 영국의 댄스뮤직 전문지 ‘Mixmag’의 기자 ‘Andy Pemberton’이나 음악잡지 ‘NME’에 의해 명명된 것이고 그것이 고정화 된 것이다. 이러한 점을 두고 미루어 보면 서태지가 명명한 네이처 파운드라는 장르적 개념과 그에 대한 근거는 이제야 그가 정말 그의 음악을 하기 시작했다는 것을 알 수 있는 부분이다.
서태지를 두고 ‘사회적 반항아’를 기대했다면 이번 싱글앨범은 기대 이하일 수도, 하지만 ‘그의 음악’을 기대했던 이에겐 좋은 음반이 될 것이다. 명심할 것은 많이 들어 볼 것! 귀를 한 번에 사로잡는 ‘훅’은 선공개 된 ‘버뮤다’를 제하고는 비교적 약한 편이다. 다시 한 번 말하지만 이번 싱글은 많이 들어야 비로소 그 특유의 감성을 느낄 수 있을 것이다. 버뮤다와 타이틀곡 ‘Juliet’, 그리고 숭례문 화재사건이 모티브가 된 ‘Coma’, 버뮤다의 리믹스 버전이 수록된 이번 [Atomos Part Secret]에서는 Part Moai와 비교해서 IDM이나 기타 새로움의 요소는 그 색깔이 옅다. 사운드는 어쿠스틱 기타에 조금 더 비중이 들어간 듯하다. 'Coma'에서는 곡 전반에 걸쳐 통기타 특유의 그 찰랑거림이 잘 녹아 들어있다. (사실 이러한 어쿠스틱함과 전자기타 특유의 리프, 요소요소에 묻어 나오는 전자음, 서정적인 멜로디간의 융합은 ‘Watch Out’에서도 어느 정도는 그 모습을 보여주었다. 물론 기타 사운드나 드럼 톤, 보컬 스타일에서는 상당부분 다르지만 잘 섞이지 않을 것이라고 생각했던 것들을 잘 버무려 내었다는 공통분모가 있다.) 곡 후반의 절정부에서도 과거 울트라맨이야, Issue에서 들었던 그 육중한 디스토션의 기타 톤에 비해 비교적 고운 입자의 톤이 있을 뿐이다. 타이틀 곡 ‘Juliet’에서도 록기반의 사운드를 들려주지만 헤비한 질감보다는 가벼운 오버드라이브 기타 톤과 전자음이 잘 교배되어있다. 이러한 사운드 스타일을 뒤로하고 이번 [Atomos Part Secret]의 가장 중요한 음악적 요소는 역시 ‘격정을 한 숟갈 덜어낸 멜로디’다. 반주의 큰 간극 기복 없이 곡의 흐름을 주도하고 있는 서정성 짙은 멜로디는 역시 그의 ‘대중 지향적’인 면모를 볼 수 있을 것이다. 쉽게 들리고 귀에 잘 감기는 소리가 좋은 음악의 미덕이라면 이러한 대중지향적인 그의 태도는 참으로 반갑다. 물론 그 대중적 스타일 이면에는 어떤 또 다른 음악적 ‘요소’를 숨겨 놓았을지는 수백 번은 더 들어봐야 알 수 있는 일이다.
첫 번째, 두 번째 싱글과 앞으로 나올 정규 8집은 앨범 간에 ‘이야기’라는 요소로 그 꼬리에 꼬리를 물고 있는 구성이라 한다. ‘최초로 스토리텔링 기법을 도입’했다고 하지만 그것이 단순 서사적 구성이 될지 온전한 스토리텔링을 이룰지는 두고 봐야 알 일이다. 이 또한 스토리텔링 전공자들에겐 담론 형성의 장이 될 터.
그러고 보면 서태지는 모든 사회적인 유행에 민감한 듯하다. 현재 유행하고 있는 풀 앨범에서 싱글 단위의 앨범으로 변화한 음반 제작 방식이라든지 디지털 음원 발매(특정 통신사의 자신의 이름을 건 모바일 폰에서 들을 수 있는 등의), 현재 모든 문화콘텐츠의 유행인 스토리텔링 이라든지.
어쨌든 그가 가진 가장 큰 능력 중 하나가 이번 싱글에서 유독 잘 드러났다는 것을 분명히 하고 싶다. 대중 일반이 지니고 있는 공통적이거나 보편적인 정서를 그가 찾아내고 싶은 그만의 음악적 스타일 혹은 정서에 녹아들게 했다는 점과 그 사이에서 서로 교감을 하고 있다는 것이다.
많은 뮤지션들이 시간이 흐르고 나이가 들어감에 따라 슬럼프에 빠지고 후퇴하는 경우가 많은데 비해 서태지는 데뷔 20년을 바라보고 있는 ‘중견 가수’임에도 불구하고 바로 지금이 전성기다. 그가 아이콘으로서 자리 매김한 뒤 많은 시간이 흘렀지만 아직도 서태지와 같은 사회, 문화, 음악적인 이슈메이커가 등장하지 못했다는 점은 안타깝다.여전히 유효한 90년대 뮤지션작년 7월 말 [Seotaiji 8th Atomos Part Moai]의 발표 후 3월 10일 그의 두 번째 싱글 앨범 [Seotaiji 8th Atomos Part Secret]가 발매되었다. 물론 중간에 BERMUDA [Triangle]이 디... -
여자에 의한, 여자를 위한 앨범
집나간 그녀가 돌아왔다. 러브홀릭의 보컬이었던 지선이 그녀의 데뷔 앨범 [인어.. 집으로 돌아오다]를 들고 활동을 다시 시작했다. 러브홀릭 탈퇴 후 1년하고도 4개월 만이다.
애석하게도 러브홀릭 시절의 그녀와 비교를 하지 않는다면 어떠한 이슈도 생기지 않을 것 같다. 프론트에 여성 보컬을 내세운 팝 그룹 혹은 밴드에서 그 보컬이 솔로 활동을 하는 경우엔 소위 ‘후광 효과’가 생기는데 지선 역시 아직은 그 ‘후광 효과’라는 것에서 벗어나기 힘든 위치의 가수다. 사실 러브홀릭 시절부터 의문이 가시지 않는 부분이었다. 강현민, 이재학이라는 우수한 두 명의 뮤지션의 우산이 없었다면 그녀의 브랜드 파워가 지금에 미칠 수 있었을지 한 번쯤 생각해 볼만한 점이다.
정체성에 대한 의문이 드는 것은 지선 자신 또한 마찬가지였을 것이 분명하다. ‘가출’을 한 이유는 바로 거기에 있다. 솔로 데뷔앨범은 단지 목소리를 내는 것에 그치는 것이 아닌, 자신의 음악 정체성 내지는 주관을 뚜렷하게 나타낸 한 사람의 앨범 아티스트로서 위치를 확고하게 굳히기 위한 노력이었고 그에 대한 유형의 결과물이다. 주지했다시피 솔로 데뷔라면 썩 괜찮은 앨범이었겠지만 ‘황지선’이라는 한 여성의 신인 데뷔 앨범이라는 측에서 평한다면 ‘그저 그런’ 혹은 ‘평범한’, 그래서 아무런 부담이 없는, 달리 말하면 그냥 지나칠 수도 있는 앨범이란 말이다.
러브홀릭을 탈퇴한 이유가 가수로서의 정체성에 대한 의문 혹은 인간적인 갈등문제 그 무엇이 되었건 간에 목적이 있는 탈퇴였고 그에 대한 결과물이 나온 것만으로도 황지선이라는 가수, 그녀 자신에게는 의미가 크다. 마음속에 담아 놓은 것을 유형물로서 세상에 내놓은 것이니.
1집의 수록곡 모두 황지선이 직접 작사, 작곡을 했다. 이상훈, EJ Show의 편곡과 프로듀싱이 있었지만 기본이 되는 뼈대를 만들고 내용을 담아낸 것은 황지선이다. 그래서 그런지 이 앨범은 천상 ‘여자에 의한’, ‘여자를 위한’ 사랑을 주제로 한 컨셉 앨범이다. 러브홀릭과 비교해서 조금 더 그녀 자신의 이야기에 포커스가 맞추어진 지선의 데뷔 앨범은 Synth-Pop(Electronic Pop)의 요소를 차용한 소프트한 록 사운드를 들려준다. 다시 말해 기본적인 베이스는 역시 ‘록’이라는 것. 신스팝이라는 장르의 특정 요소를 말 그대로 ‘차용’했을 뿐이지 절대 신스팝이라는 테두리 안에 국한되지 않는다. 록의 바탕에 전자음이 적절히 버무려진 듣기 편한 팝이라고 해도 큰 무리는 없다. 신스팝은 신서사이저가 기준을 잡고 곡을 주도해나가는데 비해 황지선이 곡을 풀어나가는 방법론에 있어서 아직은 신서사이저보다 기타를 비롯한 밴드 스코어가 그 기준을 잡고 있다. 그렇기 때문에, 굳이 ‘그녀의 앨범은 신스팝’이라고 명명할 필요까지는 없을 듯하다. 신스팝의 요소는 어시스턴트로서의 역할을 했을 뿐이다.
신스팝 냄새가 비교적 짙은 트랙은 ‘지구인’, ‘Phony War’, ‘우리가 나눈 사랑의 진실’, ‘우리가 나눈 사랑의 진실’ 정도. 특히 ‘우리가 나눈 사랑의 진실’은 프랑스의 전자음악가 Jean Michel Jarre의 음악을 듣는 듯 섬세한 질감의 넘버. 앨범의 주제와 사운드적 정체성이 가장 잘 묻어난 트랙은 타이틀 곡 ‘안녕 마음아’에서는 후렴부분의 힘 있는 보컬에 ‘마리아’의 향수를 느낄 수 있을 듯.
황지선에게 이번 1집 작업은 러브홀릭에서 벗어나려는 과정으로 볼 수 있다. 취향 차이와 관점 차이겠지만 러브홀릭의 후광 효과가 보이는 것은 정말 어쩔 수 없다. 그녀 뒤에 따라다니는 이미지적인 꼬리표 뿐 만이 아닌 음악적 부분에서도 그 색깔은 짙다. 그래서 ‘과정’이라는 말이다. 독자적인 위치에서 자신만의 영역을 구축한 가수로서 재조명 받는 것은 그녀의 다음 앨범에서 기대할 일이다.
어쨌든 이제부터 전셋집이 아닌 자신의 집에서 자신의 모습대로, 자신의 의지대로 마음껏 살아가길.여자에 의한, 여자를 위한 앨범 집나간 그녀가 돌아왔다. 러브홀릭의 보컬이었던 지선이 그녀의 데뷔 앨범 [인어.. 집으로 돌아오다]를 들고 활동을 다시 시작했다. 러브홀릭 탈퇴 후 1년하고도 4개월 만이다.애...
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